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白描篇

第1章
白描基础知识

白描是学习中国画的重要基础，也是一种独立的绘画表现形式。这是一种以粗细各异、刚柔相间、曲直有别、疏密相对、虚实相衬的线条来刻画形象的技法，也是国画技法中最古老的一种绘画方法。白描不单只是用毛笔“勾轮廓”，更主要的是体现用笔，这与中国的书法有密切的联系。本章将详细讲解白描绘画的概念、起源、发展、特点等基础知识，为读者接下来的绘画学习做好铺垫。

概念

白描是中国画的一种技法，指用单纯的墨线勾勒形象而不加任何色彩，是古代“白画”的发展，也是中国画中唯一一种完全用线条来表现物象的画法，所以又被称为“单线平涂”法。在中国画中通常人物、花卉、动物等都可通过这种绘制手法来表现，但大多数情况下该技法用来画人物和花卉。白描是以“气韵生动”为最高境界的，有着丰富而神妙的表现力，历来都为中国画家所重视。在国画的教学与创作过程中，对白描的特性及其内涵做一些探讨，对于掌握中国画发展的内在规律、理解中国画抒情达意的审美指向，以及锤炼有自己情感特色的新语言，是十分必要的。白描是人类绘画的原始形态。在人类社会发展的初期，人们反映客观物象首先就选择了线的形式。

白描也是运用线的粗细、方圆、浓淡、转折变化，以及用笔的快慢、轻重、顿挫等来描绘物象的一种技法。我们观察物象的时候首先感知的是体积，以及构成这个物象体积的各个部位的轮廓边缘，经过我们的艺术加工，最后才提炼出线。作为艺术的线条，是人类创造的最古老的视觉符号。人类在运用艺术的视角观察客观世界时，通过对客观物象的抽象而产生了线。“线”作为白描最基础的绘画语言和构成形式，因其取舍力求单纯，对虚实和疏密关系有明显的对比，因此白描就具有了朴素简洁、概括明确的特点。

起源

白描，通俗地讲就是线描，按照广义的理解，它是属于素描的一种。在古代称其为“白画”或者“粉本”，也就是绘画的底稿。元代夏文彦《图绘宝鉴》中说“古人画稿谓之粉本”。因此，白描在开始时是绘画的一种技法，唐代吴道子是历史上较早的白描高手，发展到北宋时，李公麟大大丰富和完善了白描这一技法，使之成为可以独立完成造型的绘画技法。自此以后，白描不再只是作为一种画稿而存在，逐渐发展成为一门独立的画科。

白描是一种纯用墨线勾勒物象的画法，也是传统中国画笔墨造型的骨干，有一种传神写意的表现力，以及单纯空灵的抽象美和黑白交响的韵律感，可以说是中国美术中一种独特的创造。

《丽人行》局部宋·李公麟

发展

白描是绘画的基本要素之一。白描是人类社会中出现最早、最简洁的绘画表现形式。它的起源甚至可以追溯到人类文明的早期，例如，原始岩画、彩陶纹样、古代瓶画、壁画、帛画等，这些绘画都已经表现出线条在艺术创作中的作用。在古代这种用毛笔墨线勾勒物象、不着色彩或略施淡墨的画法，多用于表现人物、花鸟。

在中国美术史上出现了很多擅长画白描的画家，其中北齐画家曹仲达善用稠密的细线表现人物的衣衫，所画人物衣衫像是刚从水中出来一般，因此称为“曹衣出水”；与之相对的盛唐吴道子，他的笔法圆转飘逸，宛若迎风飘逸之状，被称为“吴带当风”。他们都以笔法最负盛名。

早期的白描画，线条以均匀流畅为主，到了唐朝时期，吴道子才把线条发展到有粗细轻重的变化，能够生动地表现所绘制衣褶的动感和厚重感。他的作品《送子天王图》为白描画，线条行笔利落，气势豪放，昭示着线描新时代的开始。

《送子天王图》局部唐·吴道子

宋代画家李公麟把白描从草稿发展成独立的画种，他的白描变化无穷、丰富多彩，如行云流水，用富有表现力的单线创造出朴素优美的艺术形象。他所画的《五马图》，人和马都用单线勾出，比例准确，肌肉、骨骼结构明确，甚至把马的毛色所具有的光泽也细致地表现出来，形态生动，是古代一流的白描作品。

《五马图》局部宋·李公麟

白描产生之初，多出现于人物画。宋元间画家开始用白描手法来描绘花鸟。宋代赵孟坚以画白描水仙著称，其所绘《水仙图》，全卷以白描线勾为主，以细长流利而匀劲的线条勾勒花叶，将水仙幽静、婀娜的姿态表现得淋漓尽致。

《水仙图》宋·赵孟坚

除此之外，明代陈洪绶的《西厢记》插图、《水浒叶子》插图，清代改琦的《红楼梦》插图等，虽说都是版画，但都是以白描为稿子刻成，流传至今，成为后人学习的典范。还有顾恺之、武宗元、梁楷、王绎、张渥、任伯年诸家都擅长白描。他们的出现，丰富了中国画的绘画语言，形成了一种独特的艺术风格，标志着中国画线描技法的高度成熟。

特点

白描在绘制时取舍单纯，因此看起来造型工整、简练明晰、单纯洁净，又以其灵活多变的用线及造型使观者从中得到美的享受，历来受到很多画家的喜爱。

单纯朴实

白描属于素描的一种，顾名思义，“白”和“素”都有白色、素净、单纯和质朴之意，而白描就是依靠不同的线条来塑造对象的形体结构，表现对象的质感和空间感，同时形成画面中的韵律和节奏，产生一种形式的美感。有时也在线的基础上用淡墨略加渲染，但往往不设色，造型单纯简练，清晰明快，朴实无华。

造型严谨

白描在纸或者绢上勾线，讲究以线造型，通常用线表现物象的结构骨架，这就是我们通常所说的“以线立骨”。中国画中的“骨”，是支撑艺术形象，使画面富有精、气、神的本质表现。白描要求用线准确、肯定。勾线时哪怕是结构有一丝的错位，都会对画面的整体造成破坏，因此国画白描的造型必须严谨。

气韵生动

南齐谢赫在其《古画品录》中提出“六法论”，其中“气韵生动”是六法之首，是六法中的核心部分。对白描而言，这一点显得尤为重要，它也就是指画面所传达出的和谐的节奏和韵律。一幅“气韵生动”的画，必须具备立意的新颖和深刻、构图的妥帖和巧妙、形象的准确和生动、用线的稳健和流畅等条件，否则，作品便失去了该有的气韵和生气。因此，“气韵生动”成为评价白描作品的重要标志。右图赵孟頫的作品中，画面用线一丝不苟，而且用线达到气韵生动的境界。使画面看起来生动有趣，充满了画面感。

《二羊图卷》元·赵孟頫

讲究用线

白描是一种完全用线来造型的绘画方法，它的生动和奥妙也就体现在用线上，往往不借助任何颜色的辅助，全凭一些裸露的线条来塑造形体，表达神韵和感情。而中国画中的线具有惊人的表现力和形式美感，通过线的曲折、刚柔、浓淡、疏密、长短、粗细等不同的变化，将它们联系在一起，从而产生一种迷人的魅力。因此，对于白描画来说，用线是至关重要的。

形式感强

白描以线条塑造形体，当然也有其不可避免的局限性。它画出来的画面往往比较平，不像其他绘画那样有立体感，但画家们在画面的平面处理和形式感上深入研究，也就使“形式感强”成了白描最突出的特点之一。

在用线上，古代的画家们归纳总结出了白描人物画的十八种描法，如“钉头鼠尾描”、“铁线描”、“兰叶描”等。这些不同的描法，除了表现对象的形体结构之外，还有一个很重要的方面，就是注重线条本身的形式美感。

《八十七神仙卷》局部唐·吴道子

分类

白描可以分为单勾和复勾两种。

通常以线一次勾成，用同一墨色的线勾描整幅画的叫一色单勾；用浓淡不同的墨色勾成（如用淡墨勾花、浓墨勾叶）叫浓淡单勾。单勾要求线条准确流畅、生动、笔意连贯。

而先以淡墨全部勾好，再以浓墨对局部或全部进行勾勒的叫复勾，多用以加强所描物象的精神和质感。大多数先以淡墨勾成，再根据情况复勾部分线，但并非依原路刻板地复迭一次，其目的是为加深质感和浓淡变化，使物象更具神采。复勾的线要尽可能流畅自然，否则显得呆板。复勾要把物象的形、神、光、色、体积、质感等都用简单的墨线表现出来，所以难度相对较大。

十八描

十八描是对中国古代人物画中描绘衣服褶皱的各种不同描法的总结，也是关于白描程式化技法的总结，清代时配以这十八种描法的图例，按照其笔迹形状的不同起了很多不同的名字。

这十八种描法大致可分为以下三种类型。

一种是无粗细变化的铁线描法，这种方法是最早出现的描线方式，有高古游丝描、琴弦描、铁线描、行云流水描、曹衣出水描。这一类描法粗细无变化，压力均匀，代表画家有东晋顾恺之，从其作品《女史箴图》和《洛神赋图》中都可以看到他古拙的用笔；后来唐代的阎立本，明代的文徵明和唐寅都发展了这一用线方法。

一种是有粗细变化的兰叶描，包含蚯蚓描、蚂蝗描、钉头鼠尾描、柳叶描、枣核描、橄榄描、战笔水纹描。这种描法压力不均匀，用笔有提按顿挫的变化，时粗时细的线条犹如兰叶的线条。代表画家是吴道子，从他所作的《送子天王图》中可以看到线条转折提顿，有一种如雕塑般的立体感。这一画法发展到后来李唐的《采薇图》、元代的《永乐宫壁画》以及明代的陈洪绶都擅长用兰叶描法。

另一种是笔线简化而快速的减笔描，这一描法实际上是随着中国画向写意画发展而产生的变体，有撅头描、竹叶描、混描、折芦描、枯柴描、减笔描。这种描法运笔速度快，压力偏向笔的一端，有时线面结合。代表画家是梁楷，他创造了这种写意线面和浓淡交互的减笔描法。

在这三种不同的线描类型中，很多笔法都有类似之处，也有一些特点比较突出。线是随着时代前进而不断发展变化着的，我们在学习时可以选取自己喜爱的笔法，并加以发挥，形成自己得心应手的描法。

高古游丝描

高古游丝描是相对比较古老的工笔线描之一，也叫“春蚕吐丝描”，指此描法画出的线像春蚕吐出的丝。这种描法以中锋行笔，用笔圆劲细致，实起实收，用笔变化不是很明显。通常用于表现娇嫩柔弱的物象。张彦远评价它“紧劲联绵，循环超忽，格调逸易，风趋电疾，意存笔先，画尽意在，所以全神气也”。中国画的用线讲究力度，这也许与高古游丝描有很大的渊源。高古游丝描细看粗细有别，但粗看又整体均匀、挺拔，变化十分微妙。这种画法的代表作品是东晋顾恺之的《女史箴图》。

琴弦描

琴弦描，顾名思义，其笔法沉着稳健，中锋用笔，实起实收，柔中带刚，线条流畅、犀利，有一股张力。注意利用中锋悬腕，笔法沉着，心手相应不乱。线条相对于高古游丝描显得略粗些。通常用于表现质感较硬的物象。运笔时强调气要足，全神贯注，笔笔到位。

铁线描

铁线描比高古游丝描和琴弦描粗些，但用笔方硬，是最常见的描法之一。转折方劲有力，直线硬折，形似铁丝弄弯的形态。中锋用笔，方直挺进，行笔凝重，衣纹有沉重之感，无丝毫柔弱之迹。适合于绘较为庄重的题材。其特点是粗细大致均匀，像铁丝一样坚韧有力。

行云流水描

行云流水描往往用于表现柔软而弯转多的衣纹效果。其状如云舒卷，转折不滞，连绵不断。因线条较长，连绵不断，故运气要长而连贯，避免产生断笔、滞笔。要注意线条的圆滑流畅，勾画前先将线条练熟，才能做到得心应手，游刃有余。

曹衣出水描

曹衣出水描源于画家曹仲达，其所画人物的衣纹下垂、繁密，犹如刚从水中出来，故称“曹衣出水”。受印度健陀罗艺术的影响，用笔细而下垂，呈圆弧状，讲求线条之间的疏密排列变化。所画的衣服紧贴在人物的身体上，把丝绸、布匹轻软的质感表现得淋漓尽致；人物的肢体动态透过衣服的遮掩，依然能够让人感觉得到。

蚂蝗描

蚂蝗描近似兰叶描，顿头大，行笔曲折柔软，但很有力。伸屈自如，柔而不弱，气神通畅，切忌臃肿、断续。吴道子也用此法，其行笔磊落，圆润转折，凹凸起伏，轻重顿挫之间呈现出粗细刚柔、长短虚实的变化，具有立体感。

蚯蚓描

蚯蚓描粗细均匀，线条曲折多而柔软，似篆书笔法，圆转有力。采用此法，需柔而有骨，有骨而不弱，笔力内含，用笔圆润。此法描出的线条既非无骨，又应防锋芒太露。

钉头鼠尾描

钉头鼠尾描落笔如钉头，似有小勾，收笔则如鼠尾，也就是头秃尾尖、头重尾轻，由此得名。钉头鼠尾描的关键是起笔的钉头和落笔的鼠尾这一特征，清代八大山人常用此法。

柳叶描

用笔两头细、中间粗。柳叶描与竹叶描类似，都是虚入虚出的笔法。线条如柳叶迎风，忌浮滑轻薄。其特点是行笔雄浑圆厚，衣纹飘举，很有动感。勾画时要全神贯注，一气呵成，要突出柳叶描的特征。

枣核描

用尖的大笔描线，头如枣核状，线条在行笔中亦有枣核状的用笔变化。其虽与橄榄描相似，但线条节奏要柔和一些，故线条更显自由一些。

橄榄描

橄榄描顿头大且形如橄榄，元代颜辉等人多用此法。行笔稍细，但粗细变化也大。

战笔水纹描

如山水画中水纹之画法，用来表现薄而褶多的衣纹，在画仕女图时用得较多。它是粗大的减笔，形虽颤颤，但用笔要停而不滞，似水纹流畅之感。线条的特点是节奏感强，留而不滑。

撅头描

撅头描，俗称秃笔线描，马远、夏圭多擅用。其特点是顿头大而方，以侧锋入笔，有“斧劈皴”之笔意，线条粗而有力。

枯柴描

枯柴描因其形似枯柴而得名。用笔水分少，很似山水画中的皴法。用笔往往逆锋横卧，是一种粗大的减笔画描法，线条刚中有柔，整而不乱。

竹叶描

竹叶描与柳叶描类似，也是中间粗两头细，线条状如竹叶。一般用中锋来勾勒表现，压力用于线中，且柔而不弱。在具体使用中，短笔可借用竹叶描、芦叶描，长笔则如画柳叶描，但较其要刚硬，变化也大，李唐在他的《采薇图》中用到了此法。

《采薇图》局部宋·李唐

折芦描

用笔粗，而转折多为方角，笔由圆转方，方中含圆，尖笔细长，如写隶书之法。折笔时顿头方而大，多呈直线，南宋画家梁楷常用此法，其作品《六祖斫竹图》中用到了此法。

《六祖斫竹图》局部宋·梁楷

混描

混描，是指以淡墨皴衣服的褶纹，然后加浓墨混成，因此称为“混描”。它是一种写意的画法，其关键是浓淡线条的结合，处理要巧妙、得当。混描的处理增加了画面的立体感和线条丰富的变化。另外，以墨色的浓淡结合来画，会产生阴阳线之效果，画面线条变化丰富，有立体感。但也有另一种表现形式，即勾线后沿线的一侧用淡墨微染，形成凹凸感。

减笔描

减笔描指的是马远、梁楷等人的笔法。通常是侧锋用笔，速度较快，用笔粗壮，遒劲有力。大多只画一个外轮廓，用笔简洁大气。减笔描虽线条概括、简练，但笔简意远，非常耐看。创作时要切记抓住形体，以最简略之笔写之。绘制时要注意线条的起落笔及抑、扬、顿、挫都要清楚可辨。

工具和材料

白描是中国绘画的传统技法之一，是以线为主要表现手段的画法，也就是以线条勾画物象时所使用的描线方法。其工具和中国画的工具一样，笔、墨、纸、砚足矣。

笔

笔的选择

白描是国画中的一种绘画手法，白描使用的毛笔一般小、笔锋细，如衣纹笔、叶筋笔或勾线笔。一品衣纹笔在处理衣纹变化时比普通的笔好用得多；叶筋笔是专门用来勾画叶筋和线的，一般用于画很细的线条；再就是从1号到5号的普通勾线笔，在白描中最为常用。这些笔多为狼毫笔，其弹性大、硬度强，是勾线的理想用笔。

勾线笔

叶筋笔

衣纹笔

执笔方法

画白描时的执笔方法是中国画中很典型的一种，有一定的代表性，而且相对来说较为严格，讲究书法用笔，犹如写楷书一样。一般用拇指与食指把笔夹住；中指与无名指在前方和后下方，进一步把笔固定在手中；小指起到一个辅助的作用；掌心要空，达到指实掌虚的效果，这样用笔才能运用自如，稳中有健，但在实际绘制中，用笔还要更灵活。勾线时注意灵活运用指、腕、肘的力度，把握好运笔速度和所勾勒线条的粗细、长短，并要注意保持韵律和节奏感，以达到想要的画面效果。

运笔技法

在白描画中用得最多的运笔技法是中锋用笔，用笔的压力和速度要均匀，无论是勾勒细如游丝或是粗如麻绳的线，都要使勾出的笔线有“外柔内刚”的效果，力量要含蓄在内，不宜显露于外。缺乏含蓄的笔墨，不耐久看。锋芒过多、力量外露都容易表现出一种霸悍的气象，有时会降低某些花卉、禽鸟的美感，故白描画的线条要“寓刚健于婀娜中”。

墨

白描的用墨主要通过勾勒和渲染来体现，通过墨色的浓淡色调变化来表现所描绘物象的节奏和韵律，用墨时要注意墨色分布时主次、轻重的变化，避免呆板。一般选择耐水性强、书写流利的一得阁墨就可以。

纸

白描用纸较为单一，都是使用熟宣纸作画。熟宣是加工时用明矾等物质涂过，故纸质较生宣硬，吸水能力弱，使用时墨和色不会洇散开来。此特性使熟宣宜于绘工笔画。

熟宣纸

在选择熟宣纸时一定要慎重。好纸不一定白，太白说明增白剂太多，不利于久藏；纸白但不刺眼，反光柔和；不能有草梗、沙粒、裂口、洞眼及其他附着物，绵软不脆。如有稀里哗啦的响声、手感僵挺，则决不是好纸。

砚

砚，也称“砚台”，用来蘸墨写字、绘画，笔、墨、砚三者是密不可分。砚虽然在“笔墨纸砚”的排序中位居最后，但从某一方面来说却居领衔地位，所谓“四宝”砚为首，也是因为它质地坚实、能传之百代的缘故。中国古砚品种繁多，如松花石砚、玉砚、漆砂砚等，在砚史上均占有一席之地。

白描勾线的基本要求

白描中的线作为一种美的形式，无论是飘逸洒脱的线还是刚健雄浑的线条，多强调具有内涵和意趣，而且非常注意其自身的独立品格。前文我们讲到的“十八描”就体现了这一特点。因此，初学者在练习画白描时，要以营造出符合情感表达和主客观高度结合的线条为目的。

线作为一种指示性的符号，反映在白描这种表现形式中，也并非简单化和概念化，它包含了多种不同的表达因素，其中线的“骨力”是其最重要的一点，这也是白描内涵的根本所在。

在中国画中，线的变化大致分为两种，一是线条本身的变化，即不同线型及用笔产生的线的粗细、轻重、浓淡、刚柔、虚实、顿挫、转折等变化；二是线在画面上的安排和组织、疏密、聚散、长短、取舍、前后穿插等，表现出结构空间、层次、节奏韵律及装饰风格。这两个方面的结合组成了线的整体表现力。

白描画讲究笔力，通过笔的力度的变化，产生轻重、强弱、快慢、虚实等具有不同情绪的线条。古人讲的“入木三分”、“力透纸背”、“如折钗股”、“如屋漏痕”等，都是针对笔力和线的韵味而言的，尤其是谢赫在其“六法论”中强调了“骨法用笔”的重要性。可以说正是由于“骨”的精神与作用，才使得白描画中的线条在外形上摆脱了软弱无力之态，从而具备了强大的力感。所以，学习白描要力求无论线条长短、粗细、疾徐都要突出线条的“骨”感，以气运笔，笔到力到，一气呵成，这样才能产生自然的内涵之美。

白描勾线的注意事项

白描作为一种具有高度艺术性的线条艺术，它自身的特性使其具有极大的灵活性和自由性。用线造型构成了白描画的特点，因此在勾勒线条时有很多注意事项。

首先一点就是切忌漂、浮、轻、滑等随意勾描，要把握好每一根线条的运行转折，做到收放自如，无往不复，无垂不缩，使线条更饱满而含蓄。

第二，线条要讲究刚柔相济，不能剑拔弩张、虚张声势。

第三，白描勾线时落笔要肯定，沉着果断；任何不肯定的用笔都会使画面产生滞、板、结、迟等拖泥带水的线条，影响画面效果。

第四，在对线条的艺术处理上，要根据特定的画面安排线条的疏密、虚实和强弱的对比关系，从而形成一种有节奏感和韵律感的空间。

第五，白描具有极强的装饰效果，在去粗取精之后，通过提炼、概括，从而使线条具有艺术美的强烈感觉。

第六，由于中国画的线条往往与中国书法用笔相通，所以练习书法是学习中国画的基础，否则很难领会这种独特的审美趣味。

白描造型的观察方法

着眼于大的形体结构

在学习绘画之前，对大体形体结构的理解和合理运用是非常重要的，也是首先要解决的问题。表现在实际绘画中，就是指我们在观察所要表现的物象时，应该从物象整体的结构关系出发，而不能仅盯着物象的一个局部，否则画面中会形成互不相关的混乱局面。因此，正确的观察方法就是要着眼于一个大的形体关系，通过构成画面的各个部分的比较，来确定它们的存在关系，这样才能更好地传达绘画所要表达的意义。

掌握基本的形态特征

绘画造型的基本准则就是抓住所描绘物象的特点。尤其在中国画的白描中，用线条来塑造画面形象时，只有准确地抓住被描绘对象的外形特征，才能使画面生动而明确。如果缺乏对客观物象的准确观察，抓不住对象的主要特征，就不可能很好地进行归纳和总结，往往使画面造型凌乱，从而失去白描造型“严谨”这一特点。除此之外，在保证外形准确的基础上，还需深刻体会和理解对象的精神特征，从而创造出一个新的高度的艺术形象。

《簪花仕女图》唐·周昉

了解客观物象的内在本质

任何一种绘画形式，如果只顾外部特征而忽略内在本质，都会使画面缺乏内涵。而在白描画中，要想充分发挥线的造型功能，就非常需要深入细致地探求客观物象内在的精神实质，了解其生长规律和组织结构，这样才能使造型准确生动。通常所讲的“意在笔先”就是要求我们在描绘对象之前，对它的内部结构有一个深刻的了解，才能在白描刻画中将每一笔都落到实处，使作品更有价值。

建立全新的时空观念

全新的时空观念也就是指我们在观察物象时，要摆脱物体受光照影响而形成的明暗和光影变化，将三维的立体空间转化到二维平面的构成上来。中国画就是通过这样的线条组织，使主观的思维通过线条传达出来，通过线条的虚实、轻重，带给人们极大的想象空间。对于初学者而言，观察物象时应时刻以体现线条的表现力为主，加强对主观意识的把握，创造一种具有独特美感的高于现实的艺术形象。

白描中线的产生

作为艺术语言的线条，是人类创造的最古老的视觉符号。人类在运用艺术的视角观察客观世界时，通过对客观物象的抽象而产生了线。因而，“线”作为最基础的绘画语言和构成形式，广为世界艺术家所钟爱。

由于视觉艺术中“线”的“虚拟性”、“超自然性”，或者说它的非客观真实性的特色，不同的民族，在不同的哲学思维模式下，经过思维分析、提炼抽象出来的线，也就传递着不同的文化审美意识。让中国人引以自豪的是，中国画对“线”的运用达到了出神入化的境界。

中国画中的线既然是人们主观观察世界的结果，必然与感情因素有着自然相通的渠道。因此，中国画的用线还可以表现画家的情趣，具有传情达意的主观表现功能。

《钟馗》清·任伯年

白描中线的变化依据

其实中国画中的线，是对体面明朗关系的概括和提炼，在明暗交界处用一条线区别，肯定而不含糊，摒弃了一切不必要的中间调子，使形象更加突出，更加明朗，这正是中国画线条表现的长处。运用线条的长短粗细、刚柔强弱、轻重徐疾、浓淡干湿、转折顿挫，表现出人物（或其他形象）的轮廓体积、质感神态、虚实明暗、动势节奏，从而达到形神兼备的造型要求，兼有写实和浪漫的艺术特性，不但具有科学性，而且具备很高的艺术独创性。

《八十七神仙图卷》局部唐·吴道子

吴道子的这幅《八十七神仙图卷》，是道教壁画的粉本，全以墨线完成，纯为白描的形式。画有三个帝王，七名武装神将，十名男神仙，六十名女神仙，他们神采奕奕，各具风采，造型真实，形象优美；画面线条流畅飘洒，富于力感，确有神仙飘然之势，高超的线描技法可谓传世之精品，也是中国白描造型杰出的代表作。

白描勾勒不是用细线沿着轮廓去“描”，而是用书法中讲究的笔法“写”出形象。工笔白描不只是讲究工细，更重要的是追求线条的力感、快感，反对纤细柔软的线条。勾线之初，应先练习使用中锋，避免侧锋（走在线条一侧的即为侧锋）。中锋线条圆润浑厚，饱满而富于弹性，结实而有力感。

《韩熙载夜宴图》局部五代·顾闳中

白描中线的特点

白描是中国画中表现形式的一种，与西方绘画中的速写或素描类似，是一种单一的颜色表现物象的画，因此被称为“中国的素描”。白描手法主要适用于工笔人物画和工笔花鸟画。白描的特点是用简练的墨线勾描人物和各种事物的外轮廓特征，表现神韵是重点，不着颜色（有时可以用淡墨加以渲染），主要是以其本身简洁的特征来唤起读者的联想，丰富形象。鲁迅先生曾把白描概括成十二个字，即“有真意，去粉饰，少做作，勿卖弄”。中国艺术是线的艺术，线同样也是东方艺术的主要特征。

《白描罗汉》宋·李公麟

用线造型构成了中国画的特点，在中国画中主要是以毛笔、水墨等材料作为绘画的基础工具；使线在中国画的发展中表现得淋漓尽致、形神俱佳。笔、墨这种较为单调的物质，把线变成中国画主要的表现方式。毛笔的特殊性能，为用线提供了十分有利的条件。中国画在近千年的发展过程中，逐渐把线提炼成一种成熟、高超的表现手法，但它并不完全依赖于直观。

在中国画中，用线的特点首先在于从物象的结构中找出它们的客观原形，抓住它们的特点，表现出物象形体状态中最本质的东西，并运用线的各种变化表现物象的各种特殊状态；运用线在人们视觉上的差异，表现物象的质感；运用线的不同结构方式产生的不同张力，来表现物象的量感；运用线的不同线型和浓淡干湿的变化，表现物象的层次与深度；运用线的穿插、重叠、疏密、虚实表现节奏与韵律等，使中国画的用线具有丰富的表意性。